Ensayo!!! (Primera unidad)

Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”

Ariadna San Vicente Vázquez

Materia: Historia           Profesor: Jorge Morales

Fecha de entrega:  7/11/2014

Ensayo Parcial (Primera unidad)

Mi intención con este ensayo es dar a entender  la función que tuvo el arte en cada etapa estudiada durante la clase a partir de la intención de los artistas (al momento de la producción) y de la interpretación que se les daba a estas obras (tanto de los que fungían como críticos como de la forma que le llegaba al pueblo) . También encontrar con estos medios, intención, interpretación y función, el impacto general que tuvieron esos periodos artísticos en su época y cómo son vistos ahora.

En la parte de la intención me interesa hablar de los temas usados por los artistas, si eran intereses personales o impuestos, las técnicas usadas y también a  lo que aspiraban con esa producción. En la interpretación entra la opinión de los críticos de la época, para quiénes  iban dirigidas estas obras y para qué. También me interesa incluir al pueblo como un sector más que llena a las obras de sentido desde la forma en que se les presentan las piezas hasta qué era lo que buscaban del arte.
Estudiando estos aspectos busco llegar a entender , ya hablando de un arte nacional y de una época en específico, la forma en la que se fue dando una idea del arte y cuál fue su función dentro de esas sociedades.

Empiezo por el arte producido en la nueva España, ya después de que se evangelizo al pueblo por medio de imágenes católicas producidas en los monasterios surge la Academia de San Carlos como la primera escuela de arte en el territorio. En esta primera academia se enseño a los estudiantes desde cero ya que no contaban con referencias ni un conocimiento básico de lo que estaba bien o no en el campo del arte, lo que se enseñaba lo tomaban como verdad absoluta. El aprender arte se limitaba a dominar los efectos visuales como el dibujo, el claroobscuro y lo que se le llamaba las facciones del alma. Los artistas aspiraban a que su obra fuera suficientemente buena como para contener lo que era entendido como bello, a retratar a alguien importante y tener una oportunidad de ir a Europa a ver las grande obras de los maestros renacentistas. Veo esa lucha de cada artista como un crecimiento personal y una búsqueda de reconocimiento en la corte.

La función del arte surge no sólo de las intenciones y aspiraciones del artista, sino también de la interpretación, justificación y valor que se le da a una obra. En este periodo de la historia el artista no tenía opinión sobre los temas, las pinturas y esculturas se producían para la corona. El arte desde siempre fue una forma de glorificar al público que se decía culto. Este público tenía una idea específica del arte. Por ejemplo, en el texto de Cuoto cuestiona si se puede hablar de un arte prehispánico, anterior a la conquista. Plantea la idea de que ese arte sigue un sistema de escritura jeroglífico y simbólico, menciona que a esa notación de las ideas no se le puede llamar arte. El arte en esa época se basaba en la forma misma, en la pura exaltación de los sentidos ante lo que era considerado como bello.

El arte nacional consistía en la europeización de las formas y temas, el pintor estaba subordinado a esta situación. La Academia de San Carlos brindaba prestigio y beneficio económico para la  corona, ésta necesitaba glorificarse a sí  misma con arte y la Academia cubría esa necesidad. Los estatutos de la misma se establecían de acuerdo a los intereses, para que de alguna forma  la Nueva España pudiera tener lo que se tenía en los palacios Españoles. Estar a la altura o en proceso de.  
Los maestros que contrataban de Europa no eran prestigiados en su tierra natal, algo que encontraron en el nuevo continente y que les presentaba nuevas y mejores oportunidades. Así las necesidades de la corona y de los artistas Europeos se disfrazaban de una búsqueda e interés de un arte nacional.

El pueblo no tenía voz ni posibilidad de opinión, lo que les dejaba el arte era pura intimidación por parte de la imagen, ya fuera por los temas religiosos que representaban o por el impacto de la creación de lo bello. La importancia que se le brindaba a estas obras participaba en la intimidación, quien las poseía y tenía poder de acceder a ellas se presentaba como alguien culto y superior.

Entendiendo este manejo de ideas llenas de intereses y ambiciones personales (que no deben entenderse solo como  malas) podemos interpretar que lo que era llamado arte nacional sólo era una idea española de arte hecha por mexicanos. Ese arte representaba un simulacro de gloria y progreso.

La Academia de San Carlos surgió con esa misma idea de progreso y civilización, creo que en ese proyecto (que no niego que haya tenido suficientes logros) la anestesia tanto del pueblo como del arte lo estancaron rápidamente ya que lo que era historia superada en Europa se presentaba en la Nueva España como el surgimiento de una nueva civilización. Se pretendía el progreso de un país por medio de un arte que no progresaba ni tenía intenciones de hacerlo. Los artistas y estudiantes de la Academia siguieron por muchos años produciendo por inercia sin tener en cuenta todos los cambios que ocurrían. Una institución que no miraba al futuro ni producía cambio alguno, su academicismo llegaba a lo ridículo, inevitablemente atrasado. Su función de glorificar a la corona bajo un velo de arte nacional siguió, hubo muchas exposiciones pero era un arte ya muerto.
Creo que en esos momentos de producción  de la Academia la única función del arte se pudo  ver hasta después de muchos años, como importantes registros que nos hablan de ese tiempo, pura historia que nos habla de cosas que solo tienen sentido cuando las ves a distancia, como ejemplos. Una de estas cosas es cómo el arte en ese entonces contaba con mucho apoyo económico, si el arte actual perdiera lo que tiene de comunicativo, crítica y sentido social quizá sería más apoyado por el Estado. Siempre que se gana algo se pierde inevitablemente algo de igual importancia.

La situación cambió un poco después de la independencia y, como siempre, las academias están destinadas a apoyar ideologías y concretar identidades. Un gobierno liberal requería otro tipo de imágenes. No fue aún momento de crear imaginarios colectivos, pero si hubo intentos de crear un arte que tuviera más que ver con un México libre, sin influencia política europea.
La intención fue hablar de una nación nueva, con sus propios valores plásticos. Se despidió a los maestros Europeos y se contrataron artistas mexicanos lo cual no hizo mucha diferencia (ya que estos artistas mexicanos fueron instruidos por Europeos) pero al menos sí simbólica. Se aspiraba a dejar de ser una sombra de España, a sentirse ajeno, diferente mas no vacío. Bajo este panorama surge el género del paisaje en nuestro país, que si represento un paso importante para la plástica mexicana pero a mi parecer aún muy sutil y tímido. Las técnicas siguieron siendo las mismas, los temas un poco más variados. El paisaje funcionó como el primer paso para la aceptación de la cultura mexicana, el quitarse la venda española de los ojos y poder comparar en importancia la realidad visual del país con lo producido en Europa. El paisaje era un género  con el que por primera vez el pueblo podía identificarse, era más fácil de entender y de sentir que formaban parte de esa realidad representada.

Por 1851 comienza a tenerse la idea de que el arte era un influjo sobre el bienestar de las sociedades, se hablaba de la elocuencia que en el arte se encontraba por medio del espíritu en la búsqueda de la sensibilidad y de lo verdadero. La sensibilidad limitada a la idea de belleza, lo verdadero  lo entendían como lo correcto, lo que purifica el alma y se convierte tanto en una cuestión moral como de estética. El que tomaran en cuenta que el arte era capaz de influir sobre la estructura de las sociedades fue un pensamiento bastante avanzado y, por decirlo así, moderno. La cuestión es que al tener en cuenta esto se anestesió al arte para producir y exagerar únicamente cosas bellas, lo bello por sí mismo. El artista fue capaz de opinar y pensar sobre el arte pero sólo para moralizar. El pensamiento avanzó pero el arte no. ¿Cómo moralizar a una sociedad con un arte socialmente vacío?.

El academicismo junto con su rigurosa copia de grabados y yesos, temas religiosos y mitológicos siguió inerte por mucho tiempo y, como siempre, lo verdadero suele aparecer sin reconocimiento alguno. La verdadera y sincera representación de México surgió por primera vez en el arte popular cuya función no era cubrir de gloria a terceros o a los artistas. Era considerado como un oficio cualquiera, hasta un pasatiempo. Los retratos, paisajes y bodegones eran considerados como un pequeño gusto que alguien de clase media podía obtener. Es hasta ahora que son apreciadas como arte y son entendidas como una representación social del México de entonces. La función también cambia con el transcurso de los años.

Fue el momento en el cual varios artistas decidieron centrarse en los valores humanos y separarse tanto del academicismo en las técnicas y en los temas como de su dependencia con una clase social que no contaba con una conexión real de la vida. Ese fue el primer paso que hizo que el arte mexicano adquiriera los valores de las vanguardias en el que no hay distinción entre arte y vida. Los temas populares fueron usados como recurso de experimentación plástica en donde se descubrieron las cualidades visuales de la vida real. Los artistas intentaban identificarse de manera mental y espiritual con su paisaje natural y buscaban que la gente que veía esas obras se pudiera identificar de igual forma. En esta época se crearon los imaginarios populares, la imagen de lo característico de México, imágenes que llegarían hasta ojos de extranjeros. Se trataba de la función del arte como una aceptación y afirmación. En las exposiciones se buscaba reconocer lo mexicano por sus formas y “tipos”, el saber que se tenía una cultura genuina y atenuar ansiedades.
En la caricatura aparece la intención del artista por comunicar y criticar. El primer acercamiento del pueblo a una expresión crítica, política y social. Se dio a partir de la asimilación de la pintura popular y le daba a los hechos del momento una imagen. Es en la caricatura en donde el arte deja de ser únicamente plástico y representacional y comienza a plantear comentarios y posiciones. El pueblo y el territorio comienzan a aparecer como una sola unidad.

A partir de entonces el interés de los artistas dejó de ser simplemente representar realidades, su producción fue más directa y agresiva, cargada de un sentido social que hasta la fecha sigue siendo un tema recurrente en la producción de artistas mexicanos. Sus intereses se centraron en la búsqueda de lo nacional, la revolución como representación visual y simbólica del poder y fuerza del pueblo mexicano así como la búsqueda de un presente social. El arte de los muralistas logró idealizar y legitimizar al pueblo mexicano introduciendo la originalidad de sus tradiciones y los “tipos mexicanos” (creados por las temáticas recurrentes de la Escuela Mexicana) en la pintura moderna .
 En esta etapa del arte mexicano el pueblo era el principal público de las creaciones, éstas eran pensadas específicamente como un arte popular, capaz de ser observado, interpretado y enriquecido por la participación de cualquiera que pasara frente a él.
El muralismo buscaba una ideología cultural, un arte ligado al destino de su gente y que lo local fuera la unidad básica de lo político, social y cultural logrando así la aceptación del pueblo a su nación.
Este arte tenía algo radicalmente diferente y era que, parte de su función, era la de dejar clara la posición que tenían los artistas ante los hechos, introducir conceptos para que dentro de la pintura fueran entendidos como realidades. El proceso mismo de creación citaba a la revolución.
Entonces, gracias a estos tres principales conceptos (posición, nacionalismo y revolución) tratados en el arte de la época surge su principal función dentro de la sociedad y es una que ya había mencionado anteriormente en este ensayo. La principal función que yo veo en este movimiento fue la de moralizar, pero esta vez la moral fue entendida bajo términos mucho más modernos, en donde la moral creada era una cargada de nacionalismo, una moral puramente mexicana.

De la moral me iré a la política ya que una fue la posición e intención de los artistas y otra la que le dio el gobierno. Los primeros se basaron en la identidad, tratada bajo ciertos valores comunistas, mientras que el Estado, bajo el proyecto cultural impulsado por Vasconcelos, planteo una visión triunfante y heroica de la revolución. Una nueva función de los murales surge desde esta perspectiva, la propaganda . Si lo vemos de esta forma, los murales pudieron funcionar como propaganda ya fuera de mensajes comunistas, de tradiciones mexicanas o de la institucionalización de la revolución de 1910.

En el texto de Miguel Covarrubias se menciona que “La liberación del arte de México ha seguido un camino paralelo a la liberación político-social de la nación”. Creo que la función del arte también estuvo atada a esto, siendo el Estado el que subsidió el arte en todas estas etapas. Aun bajo esta situación creo que el arte tiene en su estructura básica algo que, aunque esté de alguna forma medida por el Estado, siempre logrará comunicar algo más, un mensaje claro que no tenga nada que ver con los subsidios o apoyos al arte, algo menos político y más humano.